LES COLLABORATEURS ARTISTIQUES

Artiste aux multiples facettes, Marie-Josée Chartier évolue avec aisance entre les mondes de la danse, de la musique, de l’opéra et des créations multimédia, prenant tour à tour le rôle de chorégraphe, interprète, metteuse en scène, chanteuse et enseignante. Ses œuvres chorégraphiques ont été présentées dans de nombreux festivals au Canada, en Europe et en Amérique Latine, ont fait l’objet de films documentaires et ont été diffusées sur le réseau national de télévision et dans des festivals de cinéma. Elle a reçu le Prix Jacqueline Lemieux 2015, le Prix K.M. Hunter 2001, neuf nominations au Prix Dora Mavor Moore, qu’elle a remporté pour fifty-one pieces of silver et partagé avec Urge pour And by the way, Miss. Depuis 2000, Chartier travaille également régulièrement en tant que metteuse en scène pour des productions de danse, multimédia et opéra, et collabore avec Queen of Puddings Music Theatre, le Gryphon Trio, Toca Loca, Tapestry Opera, l’Ensemble contemporain de Montréal et le Théâtre français de Toronto. Elle intervient en tant qu’enseignante de danse moderne, mouvement pour chanteurs, exploration vocale et improvisation dans les centres de formation et les universités les plus importantes au Canada et en Amérique Latine. En 2003, Marie-Josée a fondé Chartier Danse pour appuyer ses activités artistiques. Parmi ses créations d’envergure, elle compte : petites danses 2014-2017, avec différentes éditions locales ; Stria, un solo pour et par Chartier ; Red Brick, un hommage au compositeur Michael J. Baker, avec Arraymusic ; Contes pour enfants pas sages avec PPS Danse ; Screaming Popes avec fabrik Potsdam, Germany; et Bas-Reliefs avec Danse-Cité, Montréal. www.chartierdanse.com

Angie Cheng est une artiste de danse basée à Montréal. Les processus de création collaborative
fondent sa recherche continue sur la performance ; enquêter sur l'espace liminal entre le
processus créatif et événement performatif, entre le spectateur et l'nterprète. Les
compréhensions incarnées el't spécifiques qui découlent de ces enquêtes façonnent ses
questions et ses engagements actuels à la fois dans son propre travail et avec les autres. Elle a
également été activement engagée dans la communauté de la danse dans les conversations sur
l'inclusivité, la diversité et l'accessibilité. Ce n'est pas seulement ce que nous faisons en tant l'artistes, mais comment. Elle s'engage à pratiquer le consentement, le respect et
l'accessibilité : le souci de la façon dont nous sommes ensemble dans tout ce dans quoi elle s'engage.

Gabriel Cropley est un createur lumiere de Toronto. Il a été nominé 3 fois pour le prix Dora Mavor Moore. Il a récemment travaillé sur les projets suivants : Call to Earth pour NAfro Dance (Winnipeg), inTOfocus pour la compagnie Dance: Made in Canada/Fait au Canada, Eating bones and Licking bread pour Dancemakers, Undaunted pour RAW Taiko Drummers, Congruence 2 pour la compagnie BoucharDanse & lbs/sq, et Million Dollar Quartet pour le Capitol Theatre Port Hope.  Gabriel a eu la chance de collaborer avec Alias Dance Projects, Ballet Creole, Expect Theatre, TOES for Dance, Bicycle Opera, CanAsian Dance, dreamwalker dance, Angela Blumberg, Simcoe Contemporary Dancers, Avinoam Silverman Dance, Little Pear Garden Dance Company, Toronto Heritage Dance, Korean Dance Studies Society of Canada, Festival of the Sound, Newton Moraes Dance Theatre, Danny Grossman, Theatre Gargantua, Peggy Baker Dance Projects, Sampradaya Dance Creations, Hamilton Children’s Choir, Tracey Norman, Forcier StageWorks, Soulpepper Global Cabaret, Ritmo Flamenco, Teatron Theatre, JDdance, Tribal Crackling Wind, Toronto Dance Theatre, et The School of Toronto Dance Theatre.

Anne-Marie Donovan est originaire de Montréal. Son travail artistique comprend des créations comme Maanomaa, My Brother (Blue Bird Theatre Collective), Frankenstein’s Ghosts (Inter Art Matrix), The Last 15 Seconds (MT Space) et Sounding Rituals (Open Ears Festival). Anne-Marie travaille actuellement à la co-création d’une trilogie théâtrale tirée de Phèdre et intitulée Phaedra Echoes : Phaedra 101, Les racines de la rage et Dear Euripides (Inter Arts Matrix). Elle a notamment collaboré aux projets suivants : Lord Sword par DW Campbell (IAM), l'opéra Ghost Tango par Tim Brady et Douglas Burnett (Vocalypse), et Giiwedin - un opéra Premières Nations par Spy Dénommé-Welch et Catherine Magowan (Opera Laurier).  En 2007, Anne-Marie a fondé Inter Arts Matrix qu’elle dirige depuis 2014. Elle a également été la directrice artistique des Concerts NUMUS et a reçu le prix Distinguished Teacher of the Year Award de l'Université de Waterloo où elle a enseigné de 1993 à 2014.

André du Toit est un concepteur d’éclairages pour spectacles en direct basé à Toronto. Ses créations ont reçu trois prix Dora Mavor Moore et un Toronto Theatre Critics Award.  Ses réalisations récentes incluent Now You See Her, Mouthpiece (Quote Unquote Collective); Prince Hamlet (Why Not Theatre); The Orchard (Shaw Festival); Guarded Girls, Harlem Duet, Bakelite Masterpiece (Tarragon Theatre); Paolozzapedia, Italian Mime Suicide, The Double (Bad New Days); Le Grand Continental (Luminato); Jerusalem (Outside the March/Company Theatre); Animal Farm, A Delicate Balance, Vimy, The 39 Steps, (Soulpepper); Oraltorio (Obsidian/Soulpepper); FLORENCE (The Dietrich Group); The Assholes, As I Lay Dying (Theatre Smith-Gilmour); Helen’s Necklace, Watching Glory Die (Canadian Rep Theatre).

Auteur, concepteur, scénographe et metteur en scène, Claude Guilmain est cofondateur du Théâtre La Tangente, compagnie de création de Toronto, et en a été à sa direction artistique pendant 13 ans (1994 à 2007). Claude Guilmain a signé la mise en scène de Petits crimes conjugaux, au Théâtre du Trillium, production en lice pour le Masque de la production franco-canadienne en 2005. Il a réalisé quatre documentaires pour l’Office national du film du Canada : Portrait d’un parfait inconnu (2006), Entre les lignes (2008), La Sentinelle (2010) et Le 22e Régiment en Afghanistan (2011). Il travaille actuellement au développement d’un long métrage documentaire pour l’Office national du film pour commémorer les 100 ans du Royal 22ième Régiment. Depuis 15 ans, il est à la direction administrative, direction de production et direction technique de toutes les productions du Théâtre la Tangente. Claude Guilmain est l’auteur en résidence du Théâtre la Tangente et quatre de ses textes ont été publiés : L’Égoïste et La Passagère chez Prise de Parole, Requiem pour un trompettiste et le récit poétique Comment on dit ça, « t’es mort », en anglais ?aux Éditions L’Interligne. Il est lauréat du prix d’excellence artistique catégorie arrière scène de Théâtre Action pour la direction de production et la scénographie de L’Implorante.

Katia Grubisic is a writer, editor and translator whose work has appeared in various Canadian and international publications. Her collection What if red ran out (Goose Lane Editions, 2008) was shortlisted for the A.M. Klein Prize for Poetry and won the 2009 Gerald Lampert award for best first book. Her book translations include Martine Delvaux’s White Out, Stéphane Martelly’s Little Girl Gazelle, and Marie-Claire Blais’s Songs for Angel. Her translations of David Clerson’s first novel, Brothers, and of A Cemetery for Bees, by Alina Dumitrescu, were shortlisted for Governor General’s Awards.

Melanie est une régisseuse basée à Toronto qui passe son temps à switching back and forth de l’anglais au français. Elle est diplômée avec distinction du programme de production de spectacles de la Ryerson Theatre School et a suivi un cours de régie à la London Academy of Music and Dramatic Arts. Ses crédits en régie incluent : Théâtre du Nouvel Ontario, Théâtre la Catapulte, Shéâtre, BoucharDanse, Dusk Dances, Théâtre français de Toronto et Perchance Theatre. En plus de son expérience en théâtre et en danse, Mélanie a travaillé avec Pride Toronto, le Toronto District School Board et le Toronto International Film Festival, en plus d’être sur les équipes de production pour les cérémonies des Jeux Invictus 2017 et les Jeux PanAm et ParapanAm 2015. Lorsqu’elle n’est pas occupée en régie, Mélanie est souvent appelée à traduire et à construire des titres pour le théâtre et l’opéra, notamment pour le Théâtre Français de Toronto. Mélanie est aussi entrepreneure et coach de vie. Elle a cree des cours en ligne, des ateliers et des classes privées sur son site www.lifeskillswithmel.com 

Melanie est une régisseuse basée à Toronto qui passe son temps à switching back and forth de l’anglais au français. Elle est diplômée avec distinction du programme de production de spectacles de la Ryerson Theatre School et a suivi un cours de régie à la London Academy of Music and Dramatic Arts. Ses crédits en régie incluent : Théâtre du Nouvel Ontario, Théâtre la Catapulte, Shéâtre, BoucharDanse, Dusk Dances, Théâtre français de Toronto et Perchance Theatre. En plus de son expérience en théâtre et en danse, Mélanie a travaillé avec Pride Toronto, le Toronto District School Board et le Toronto International Film Festival, en plus d’être sur les équipes de production pour les cérémonies des Jeux Invictus 2017 et les Jeux PanAm et ParapanAm 2015. Lorsqu’elle n’est pas occupée en régie, Mélanie est souvent appelée à traduire et à construire des titres pour le théâtre et l’opéra, notamment pour le Théâtre Français de Toronto. Mélanie est aussi entrepreneure et coach de vie. Elle a cree des cours en ligne, des ateliers et des classes privées sur son site www.lifeskillswithmel.com 

Originaire de Toronto, Cheryl Lalonde commence sa carrière dans les arts avec Act IV Theatre à Adelaide Court. Après deux ans dans les coulisses des Toronto Workshop Productions, elle fait ses débuts en scénographie à la première production de la pièce The Rez Sisters de Thompson Highway, mise en scène par Larry Lewis. Elle partage son temps entre direction de production et scénographie. Cela lui permet de collaborer avec plusieurs compagnies, y compris Desrosiers Dance Theatre, Danny Grossman Dance Company, Fujiwara Dance Inventions, Alberta Ballet, Theatre Smith Gilmour, Canadian Stage, CORPUS, Kaeja d’Dance, Dreamwalker Dance, et Toronto Dance Theatre où elle en est à sa dixième saison comme directrice de production. Mme Lalonde a été en lice pour quatre prix de conception Dora Mavor Moore et a été primée en 1997 pour la scénographie deChutzpah a-go-go d’Eclectic Theatre.  Dernièrement, elle a conçu les costumes et les éléments scéniques pour Pteros Tactics du Toronto Dance Theatre et pour Longer Than a Shadow de Kemi Contemporary Dance.

Originaire de Singapour, Jareth est un éclairagiste établi à Toronto. Il est passionné par les projets qui traitent de politique, de culture et d’héritage. Jareth est également membre de The Howland Company et intervenant metteur en scène à l'Université de York.  Il croit profondément au  mentorat et à la création d'opportunités pour les prochaines générations de designers. Parmi ses conceptions d’éclairages, notons The Wolves (Howland & Crows Theatre), Casimir and Caroline, The Home Project (Howland), Ring of Fire (Citadel Theatre), Serving Elizabeth (WCT), Iphigenia and The Furies (Saga Collectif), Chautauqua (Pearle Harbour).  Il a par ailleurs œuvré six saisons comme assistant à la conception d’éclairage au Festival de Stratford et cinq saisons pour la Canadian Opera Company. Membre des Associated Designers of Canada, il a aussi eu l’occasion de tourner en Amérique du Nord avec des compagnies comme Menaka Thakkar Dance et Just for Laughs.

Originaire de Toronto, Cheryl Lalonde commence sa carrière dans les arts avec Act IV Theatre à Adelaide Court. Après deux ans dans les coulisses des Toronto Workshop Productions, elle fait ses débuts en scénographie à la première production de la pièce The Rez Sisters de Thompson Highway, mise en scène par Larry Lewis. Elle partage son temps entre direction de production et scénographie. Cela lui permet de collaborer avec plusieurs compagnies, y compris Desrosiers Dance Theatre, Danny Grossman Dance Company, Fujiwara Dance Inventions, Alberta Ballet, Theatre Smith Gilmour, Canadian Stage, CORPUS, Kaeja d’Dance, Dreamwalker Dance, et Toronto Dance Theatre où elle en est à sa dixième saison comme directrice de production. Mme Lalonde a été en lice pour quatre prix de conception Dora Mavor Moore et a été primée en 1997 pour la scénographie deChutzpah a-go-go d’Eclectic Theatre.  Dernièrement, elle a conçu les costumes et les éléments scéniques pour Pteros Tactics du Toronto Dance Theatre et pour Longer Than a Shadow de Kemi Contemporary Dance.

Née à Toronto de parents réfugiés politiques chiliens, Ayelen est de nature très nomade. Regorgeant d’énergie et d’imagination, elle a suivi une formation en danse à Cuba, a reçu un diplôme d’anthropologie à l’Université de Toronto, puis a déménagé à New York. Son travail en tant qu’interprète et chorégraphe, que l’on pourrait qualifier d’expériences cinématographiques multidimensionnelles, a rencontré un vif succès au sein de festivals, dans des théâtres et à la télévision sur quatre continents. Elle a eu l’immense honneur de collaborer avec des artistes tels que Louis Falco, Rubin Kodheli, Harry Mavromichalis, Gabrielle Roth, Noemie Lafrance, Natalie Galazka et Joseph Johnson Cami. En 2005, son obsession des images en mouvement l’a menée vers la réalisation de films, animée par une passion bien particulière à la croisée de la danse, du film et d’une quête de justice sociale, s’illustrant par des documentaires provocateurs. Ses films ont été diffusés à travers le monde, à la fois lauréats et nominés au Festival International du Film de Toronto et au Festival du Court-Métrage de Miami, pour ne citer qu’eux. Ses projets en matière de film, de danse et de projets éducatifs ont reçu les soutiens du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des Arts de l’Ontario, du Conseil des Arts de Toronto, de la fondation Laidlaw et de Bravo!FACT. Ayelen est constamment en quête de nouvelles possibilités de filmer et d’exprimer le mouvement en général, et est honorée de collaborer avec Sylvie Bouchard et BoucharDanse.  www.ayelenliberona.com

Née à Toronto de parents réfugiés politiques chiliens, Ayelen est de nature très nomade. Regorgeant d’énergie et d’imagination, elle a suivi une formation en danse à Cuba, a reçu un diplôme d’anthropologie à l’Université de Toronto, puis a déménagé à New York. Son travail en tant qu’interprète et chorégraphe, que l’on pourrait qualifier d’expériences cinématographiques multidimensionnelles, a rencontré un vif succès au sein de festivals, dans des théâtres et à la télévision sur quatre continents. Elle a eu l’immense honneur de collaborer avec des artistes tels que Louis Falco, Rubin Kodheli, Harry Mavromichalis, Gabrielle Roth, Noemie Lafrance, Natalie Galazka et Joseph Johnson Cami. En 2005, son obsession des images en mouvement l’a menée vers la réalisation de films, animée par une passion bien particulière à la croisée de la danse, du film et d’une quête de justice sociale, s’illustrant par des documentaires provocateurs. Ses films ont été diffusés à travers le monde, à la fois lauréats et nominés au Festival International du Film de Toronto et au Festival du Court-Métrage de Miami, pour ne citer qu’eux. Ses projets en matière de film, de danse et de projets éducatifs ont reçu les soutiens du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des Arts de l’Ontario, du Conseil des Arts de Toronto, de la fondation Laidlaw et de Bravo!FACT. Ayelen est constamment en quête de nouvelles possibilités de filmer et d’exprimer le mouvement en général, et est honorée de collaborer avec Sylvie Bouchard et BoucharDanse.  www.ayelenliberona.com

Comédienne et musicienne de formation (Conservatoire de Musique et d’Art dramatique du Québec à Hull, Université d’Ottawa), elle a interprété plus d’une cinquantaine de rôles, dirigé huit mises en lectures, et signé cinq mises en scène. On a pu l’apprécier dans plusieurs productions du Théâtre français du Centre national des Arts tant à Ottawa, qu’à Montréal et à Québec. Elle a travaillé sous la direction, entre autres, de Denis Marleau, André Brassard, Denise Filiatrault, Kelly Robinson et Diana Leblanc. Pour le Théâtre la Tangente, son adaptation théâtrale et mise en scène du récit poétique Les Cascadeurs de l’amour de Patrice Desbiens se mérite le premier Masque de la Production franco-canadienne en 2000. Au Théâtre la Tangente, elle signe l’adaptation théâtrale et la mise en scène de Comment on dit ça « t’es mort » en anglais?, dirige Parasites au bloc, Requiem pour un trompettiste (mouture 2012) et en collaboration avec Claude Guilmain, elle développe et met en scène L’Implorante. Elle élabore et dirige également les spectacles de poésie et chansons Soirée Vian, De Rome à Berlin, Tour de Chant – Tour de Terre, Soirée Vinyle et Soirée Prévert auxquels elle participe de même que des mises en lectures. Directrice artistique du Théâtre la Tangente depuis l’automne 2007, elle est lauréate du prix de mise en scène John Hirsch du Conseil des Arts de l’Ontario.

Philippe Noireaut est un musicien éclectique. Il compose pour le cinéma, le théâtre et la danse. Il a enregistré de nombreux concerts de jazz et des récitals de piano pour la radio et la télévision (Radio Canada, Bravo, TV5). Il a également dirigé des galas pour Radio Canada, y compris un hommage à Gilles Vigneault. Philippe a reçu le Grand Prix SOCAN 1995 en tant que chanteur et parolier. Il a tourné nationalement et internationalement avec ses créations. Certaines de ses compositions d'après les poèmes de Victor Hugo et Rimbaud ont été enregistrées en 2007 et 2015 en France. Il a collaboré avec la chanteuse Renée Claude sur un album hommage a Léo Ferré qui a reçu le prestigieux prix de l'Académie Charles Cros en 1997 (France). Il a également composé et joué pour la chorégraphe Lina Cruz. En 2012, Philippe a reçu le Prix Dora Mavor Moore Award et a été nominé en 2017 pour ce prix (Composition Sonore Exceptionnelle).

Philippe Noireaut est un musicien éclectique. Il compose pour le cinéma, le théâtre et la danse. Il a enregistré de nombreux concerts de jazz et des récitals de piano pour la radio et la télévision (Radio Canada, Bravo, TV5). Il a également dirigé des galas pour Radio Canada, y compris un hommage à Gilles Vigneault. Philippe a reçu le Grand Prix SOCAN 1995 en tant que chanteur et parolier. Il a tourné nationalement et internationalement avec ses créations. Certaines de ses compositions d'après les poèmes de Victor Hugo et Rimbaud ont été enregistrées en 2007 et 2015 en France. Il a collaboré avec la chanteuse Renée Claude sur un album hommage a Léo Ferré qui a reçu le prestigieux prix de l'Académie Charles Cros en 1997 (France). Il a également composé et joué pour la chorégraphe Lina Cruz. En 2012, Philippe a reçu le Prix Dora Mavor Moore Award et a été nominé en 2017 pour ce prix (Composition Sonore Exceptionnelle).

Ed Pien est un artiste multidisciplinaire connu pour ses dessins, papiers-découpés et ses installations. Né à Taiwan, vivant au Canada depuis qu’il a onze ans, Ed Pien vit et travaille à Toronto. Pien a exposé autant au Canada qu’à l’étranger notamment au Drawing Centre à New York ; au Victoria & Albert Museum à Londres ; au Centre culturel canadien, à Paris ; au Goethe-Institut à Berlin ; à la Galerie d’art du Grand Victoria ; à la Galerie d’art de l’Ontario ; au Musée des Beaux-Arts de Montréal ; au Musée d’art contemporain de Montréal ; au Songzhuang Art Centre de Beijing ; au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa ; et à Oboro, Montréal. Son travail a été exposé dans les Biennales d’art de Montréal en 2000 et 2002 ; à la 18ème édition de la Biennale de Sydney ; et dans l’exposition Oh Canada au MASS MoCA. Pien a également présenté des oeuvres à la 5ème édition de la Biennale de Moscou et la Biennale internationale de Beijing.

Ses installations de taille monumentales, ses dessins et papiers-découpés figurent dans plusieurs collections permanentes, notamment au FRAC Lorraine, Metz, France ; à la Galerie d’art du Grand Victoria ; Musée des beaux-arts du Canada ; la Galerie d’art de l’Ontario ; le Musée d’art contemporain de Montréal ; Musée des beaux arts, Montréal; Mendel Art Gallery ; Weatherspoon Art Museum, University Of North Carolina, Greensboro, North Carolina; ainsi que dans d’autres institutions et collections privées. Pien enseigne à mi-temps à l’Université de Toronto.

Native from Atholville (New Brunswick) and living in Toronto, Jeff is a bilingual stage manager with a creative and performance background. He has also served as associate director, dramaturg, casting assistant, script supervisor, fight captain, and more. He is the recipient of the Governor General’s Medal and the Triple Threat Award from Randolph College where he studied acting, voice and dance. Stage management credits include: Sharing the Stage (National Ballet), The Effect (Coal Mine Theatre), Mamma Mia! (Tweed & Co), Le club des éphémère (TfT), très loin (BoucharDanse), Sweeney Todd, She Visits , Pal Joey (TIFT), and Heroine (TNB). @jeff_yourstagemanager

Jesse Stewart est un compositeur récompensé par de nombreux prix, mais aussi percussionniste et artiste. Il a interprété et enregistré plusieurs œuvres avec des personnalités telles que Pauline Oliveros, Hamid Drake, William Parker, Joe Mcphee, David Mott, Stretch Orchestra, Michael Snow, et bien plus encore. Il a reçu quantité de commandes en tant que compositeur et artiste. Il exerce en tant que professeur de musique à l’université Carleton, dans la faculté d’études des arts et de la culture, et en tant que professeur adjoint dans le programme des arts visuels de l’Université d’Ottawa. Il a reçu de nombreuses récompenses et plusieurs honneurs, dont un Juno en 2012 pour ‘meilleur album instrumental de l’année’, et l’Ordre d’Ottawa.

Phil Strong était un créateur son et un compositeur basé à Toronto, récompensé à de nombreuses reprises, qui évolue dans les milieux de la danse, du cinéma, du théâtre, de la performance musicale et des installations artistiques. Phil était un collaborateur fidèle de BoucharDanse et il a également travaillé avec Christopher House, Denise Fujiwara, Matjash Mrowzewski, Moze Mossanen, et Karen & Allen Kaeja. Il a également signé la création sonore et musicale pour des installations artistiques de John Oswald, Heather Nicol, Sara Angelucci, Su Rynard, Kent Monkman et Ed Burtynsky.  En parallèle, Phil a composé des albums et des bandes-annonces, et il a chanté dans le choeur géorgien Darbazi. Phil est décédé le 2 décembre 2022.

William Yong est un artiste pluri-disciplinaire - chorégraphe, danseur, designer, metteur en scène et réalisateur. Il dirige Zata Omm et W Zento Production. William est diplômé de la London Contemporary Dance School au Royaume-Uni.  Il a soutenu son Master sur le sujet des films de danse et a validé son MA avec distinction à l'Université de Kent à Canterbury. Sa carrière se déploie depuis 28 ans ; William a tourné dans plus de 75 villes et 15 pays. Il a reçu de nombreux prix et a créé plus d’une centaine d'œuvres. Il a été nominé une dizaine de fois pour le Prix Dora Mavor Moore et l’a reçu une fois, ainsi que le Prix pour l’Innovation “I love dance/J’aime la danse”. Ses films ont reçu le prix du Meilleur Film au Venice Shorts Film Awards et le Prix de l’Excellence dans le cadre de la One-Reeler Short Film Competition.

William Yong est un artiste pluri-disciplinaire - chorégraphe, danseur, designer, metteur en scène et réalisateur. Il dirige Zata Omm et W Zento Production. William est diplômé de la London Contemporary Dance School au Royaume-Uni.  Il a soutenu son Master sur le sujet des films de danse et a validé son MA avec distinction à l'Université de Kent à Canterbury. Sa carrière se déploie depuis 28 ans ; William a tourné dans plus de 75 villes et 15 pays. Il a reçu de nombreux prix et a créé plus d’une centaine d'œuvres. Il a été nominé une dizaine de fois pour le Prix Dora Mavor Moore et l’a reçu une fois, ainsi que le Prix pour l’Innovation “I love dance/J’aime la danse”. Ses films ont reçu le prix du Meilleur Film au Venice Shorts Film Awards et le Prix de l’Excellence dans le cadre de la One-Reeler Short Film Competition.